Ellas cantan, producen, componen y construyen canciones capaces de dejar una marca. Llegó junio y, con el año avanzando a toda velocidad, seguimos encontrando artistas que apuestan por una identidad propia en medio de un escenario musical cada vez más saturado de novedades. Lejos de perseguir tendencias pasajeras, crean obras con sensibilidad, personalidad y una mirada única sobre el mundo.
En esta edición de Las Elegidas, reunimos proyectos que recorren distintos géneros, ciudades y generaciones, pero que comparten una misma virtud: la capacidad de emocionar, sorprender y generar esa sensación de estar frente a voces que merecen mucho más reconocimiento. Artistas que crecen canción tras canción y que, estamos convencidos, tienen todo para llegar cada vez más lejos.
Hanna Andréa «Get off your phone»
Con una energía contagiosa y una marcada influencia del pop-punk de principios de los años 2000, Hanna Andreassen presenta una canción vibrante impulsada por guitarras contenidas, una producción de espíritu garage y una interpretación vocal intensa y emotiva. La artista transforma esta combinación en un llamado generacional a reconectar con el mundo real, invitando a dejar de lado las pantallas por un momento para volver a encontrarse con las personas, las emociones y las experiencias que suceden fuera del entorno digital.
Cantante y compositora originaria de Narvik, una pequeña ciudad ubicada al norte del Círculo Polar Ártico, ha desarrollado una identidad artística propia dentro del pop cinematográfico. Criada entre dos culturas y dos idiomas, integra de manera natural sus raíces noruegas y estadounidenses, construyendo un universo musical donde conviven la sensibilidad nórdica y la energía característica de la cultura norteamericana. Su crecimiento estuvo marcado tanto por los imponentes paisajes de Noruega como por el estilo de vida dinámico del oeste de Estados Unidos. Esa combinación de influencias se refleja en una propuesta que trasciende fronteras y encuentra puntos de conexión universales. Con una voz fresca, una mirada contemporánea y una capacidad notable para transmitir emociones, Hanna se perfila como una de las jóvenes artistas a seguir dentro de la nueva escena internacional.
Brooke Henzell «Cold Angel»
Con «Cold Angel«, la artista australiana radicada en Nueva York adelanta el primer capítulo de su próximo EP, una obra que encuentra inspiración en la intensidad emocional y la atmósfera oscura de referentes como Portishead y PJ Harvey. La canción se mueve entre la fragilidad y la fuerza, construyendo un paisaje sonoro envolvente donde conviven la melancolía, la tensión y una sensibilidad profundamente personal.
La propuesta de Henzell destaca por una interpretación cargada de matices, capaz de transmitir vulnerabilidad sin perder carácter. Su voz guía una narrativa íntima que se desarrolla sobre arreglos sutiles y texturas cuidadosamente elaboradas, generando una experiencia que invita tanto a la reflexión como a la inmersión emocional.
Saint Kitten «Stay»
Con «Stay«, la artista transforma un momento de cambio radical en una canción cargada de emoción y honestidad. Escrita mientras preparaba su mudanza al otro lado del mundo, la pieza reflexiona sobre esa sensación universal de mirar hacia atrás con nostalgia, incluso cuando sabemos que ciertos lugares, etapas o vínculos ya forman parte del pasado. La artista captura con sensibilidad la contradicción entre el deseo de quedarse y la necesidad de seguir adelante, aun cuando eso implique dejar atrás paisajes, recuerdos y partes importantes de uno mismo.
Detrás de Saint Kitten se encuentra Ezgi Connard, cantante, compositora, productora y directora creativa turca radicada en Nueva York. Su propuesta combina el dark pop con una marcada profundidad vocal y un enfoque narrativo que explora las complejidades de la experiencia humana. Cada una de sus canciones parece construirse como un pequeño universo cinematográfico donde conviven la introspección, la melancolía y la búsqueda de identidad. Su trayectoria comenzó a ganar notoriedad en 2012 con el EP «Want You Gone«, una colección de versiones inspiradas en el videojuego «Portal» que encontró una audiencia entusiasta dentro de la comunidad gamer de YouTube.
Hanna María «I give it all to you»
En esta nueva canción, la artista construye una experiencia emocional que crece de manera gradual y envolvente. Un marcado riff de bajo impulsa la composición, mientras delicados pasajes de piano aportan cercanía e intimidad. A medida que la canción avanza, la tensión se intensifica hasta desembocar en un final cinematográfico de gran amplitud, donde la emoción encuentra finalmente su liberación en un mensaje de esperanza.
La combinación de elementos pop, texturas ambientales y arreglos de inspiración cinematográfica le permite a Hanna Maria desarrollar un sonido contemporáneo sin perder profundidad espiritual. El resultado es una obra que conecta tanto desde lo musical como desde lo emocional, invitando al oyente a detenerse, reflexionar y reencontrarse con una esperanza que trasciende las circunstancias.
Jenna Kay «Bitterhalf»
Con «Bitterhalf«, Jenna Kay entrega un explosivo himno pop-rock sobre esas relaciones que sacan lo peor de nosotros en lugar de ayudarnos a crecer. Guitarras contundentes, una base rítmica arrolladora y una interpretación vocal llena de carácter acompañan una letra honesta, irónica y profundamente identificable. El resultado es una canción cargada de actitud, ideal para quienes atraviesan una ruptura o simplemente necesitan recordar su propio valor.
Radicada en Nashville y reconocida por su combinación de fuerza, autenticidad y sensibilidad pop, Jenna Kay se ha convertido en una de las voces emergentes más interesantes de la escena estadounidense. Ganadora del premio a Vocal Artist en los Nashville Music Awards 2025 y distinguida entre los mejores compositores por la NSAI en 2026, la artista continúa consolidando una carrera en ascenso. «Bitterhalf» confirma su talento para transformar experiencias personales en canciones universales, combinando grandes melodías con una personalidad imposible de ignorar.
Lila Kova «Vivaldi»
Con «Vivaldi«, Lila Kova construye un puente entre la intensidad emocional de la música clásica y la energía arrolladora del techno contemporáneo. La artista utiliza interpretaciones de violín grabadas especialmente para la canción como elemento central de la composición, creando una experiencia sonora donde las melodías cinematográficas se funden con ritmos diseñados para la pista de baile. El resultado es una pieza potente, elegante y envolvente, capaz de funcionar tanto en festivales como en clubes de alta intensidad.
Radicada en Los Ángeles, Kova se ha destacado por desarrollar un sonido propio que combina techno, progressive y matices psy con una sólida formación clásica. Sus presentaciones, que integran violín en vivo, aportan una dimensión visual y emocional poco habitual dentro de la música electrónica. Tras actuar en escenarios internacionales y eventos de renombre como Burning Man, la artista inicia una nueva etapa con el lanzamiento de su sello Symphotek Records, reafirmando una visión innovadora que apuesta por la fusión entre lo orquestal y la electrónica de vanguardia.
Julia Minkin «Not ready»
Julia Minkin llega a una nueva etapa de su carrera con «Not Ready«, un debut solista que la muestra como una compositora segura de su identidad artística. Radicada en Chicago, la cantante, escritora y multiinstrumentista construye canciones donde conviven melodías irresistibles, letras inteligentes y una sensibilidad pop que dialoga con influencias tan diversas como el French Touch, el pop de los años 80, el jazz y el folk. El álbum, producido junto a su esposo, el guitarrista francés Andrew Sudhibhasilp, refleja un proceso de crecimiento personal y creativo marcado por la búsqueda de una voz propia.
Antes de emprender este camino en solitario, Minkin ganó reconocimiento internacional como integrante de la banda francesa Kid Francescoli, participando en discos que dieron origen a éxitos utilizados en campañas publicitarias, cine y televisión. Ahora, con «Not Ready«, presenta una colección de canciones cargadas de humor sutil, honestidad emocional y reflexiones sobre la madurez, la identidad y la necesidad de liberarse de las expectativas ajenas. El resultado es una obra fresca y sofisticada que confirma a Minkin como una artista con una personalidad única y una voz cada vez más relevante dentro de la escena independiente.
Scarlett «Winter’s whisper»
Con «Winter’s Whisper«, Scarlett Macfarlane invita a sumergirse en un universo donde la fantasía y la realidad se entrelazan de forma tan inesperada como fascinante. Inspirada en el imaginario de «Alicia en el País de las Maravillas«, la canción combina melodías pop contagiosas con una energía excéntrica y un sutil espíritu rockabilly, dando forma a una propuesta tan divertida como impredecible. Producida por el ganador del Grammy Scott Jacoby, la canción destaca además por sus sintetizadores de aire misterioso y sus ingeniosos juegos vocales, que refuerzan la sensación de estar atravesando un mundo donde nada es exactamente lo que parece.
Radicada en Nueva York, Macfarlane construye su obra alrededor de conceptos como la dualidad, el contraste y la resiliencia. Este single forma parte de una colección de quince canciones nacidas durante un mismo período creativo y refleja su interés por explorar las múltiples caras de cada historia. Con una identidad artística que desafía las etiquetas de género y una escritura cargada de imaginación, Macfarlane entrega una canción vibrante, original y difícil de olvidar.
Leolixl «Es tut vielleicht gar nicht so weh»
Leolixl regresa con una propuesta que combina la sensibilidad del singer-songwriter, la frescura del indie y la cercanía del pop en alemán. Originaria de Frankfurt, la artista comenzó a construir su comunidad en redes sociales gracias a sus canciones espontáneas con ukelele, donde el humor, la autenticidad y la calidez se convirtieron en sus principales señas de identidad. Tras millones de reproducciones, una etapa junto a Sony Music y años de crecimiento artístico independiente, hoy presenta una nueva etapa creativa marcada por la madurez y la libertad expresiva.
Su nuevo sencillo, «Es tut vielleicht gar nicht so weh» («Quizás no duela tanto«), es una declaración valiente contra las dudas y la inseguridad. Con una letra honesta y esperanzadora, Leo reflexiona sobre la importancia de seguir adelante incluso cuando las cosas no salen según lo planeado. La canción transmite un mensaje simple pero poderoso: muchas veces los obstáculos parecen más grandes de lo que realmente son, y aquello que tememos enfrentar quizá no duela tanto como imaginamos.
Jenny Gillespie Mason «Rungs of love»
Con «In the Safety of the Light«, Jenny Gillespie Mason regresa a las raíces del folk acústico que marcaron sus primeros pasos como compositora, dando forma a uno de los trabajos más personales e introspectivos de su carrera. Tras más de una década explorando territorios cercanos al pop psicodélico, el jazz y la electrónica bajo distintos proyectos, la artista vuelve a la guitarra acústica para construir un álbum profundamente humano, donde la espiritualidad, la vida cotidiana y la búsqueda de sentido conviven con naturalidad. Producido por Noah Georgeson, reconocido por su trabajo junto a figuras como Joanna Newsom y Devendra Banhart, el disco encuentra belleza en la sencillez y la honestidad emocional.
«Rungs of Love«, explora las distintas formas que puede adoptar el amor, desde los vínculos humanos hasta una dimensión más espiritual y trascendente. Con una sonoridad cálida y delicada, inspirada en el folk británico de los años 70 y enriquecida por arreglos de gran sensibilidad, la artista entrega canciones que invitan a la reflexión sin perder cercanía. «In the Safety of the Light» se presenta así como una obra luminosa, contemplativa y profundamente sincera, capaz de conectar tanto con la experiencia terrenal como con las preguntas más profundas del espíritu.
BR!LEY «It’s cliché»
Con apenas 16 años, BR!LEY comienza a dar sus primeros pasos en la música con una propuesta construida sobre la autenticidad y la honestidad emocional. Su sencillo debut, «The Long Game«, aborda la mezcla de amor, ilusión, frustración y espera que surge cuando los sentimientos aparecen antes de que la historia pueda hacerse realidad. A través de una interpretación sincera y cercana, la joven artista transforma una experiencia universal en una canción capaz de conectar con quienes alguna vez han esperado por alguien que aún no forma parte de su vida. Con «It’s cliché», redobla la apuesta y encuentra su propia voz, su identidad sonora.
La producción acompaña con elegancia, construyendo una atmósfera íntima donde cada melodía parece estar al servicio de la historia que cuenta. Lejos de buscar artificios, esta artista apuesta por la honestidad y consigue conectar desde lo genuino.
Violeta «Siempre yo me vuelvo a ir»
Con «Antes de Irme«, Violeta presenta un debut que encuentra belleza en la vulnerabilidad y transforma las emociones más difíciles de explicar en canciones profundamente cercanas. Entre el indie pop y el R&B contemporáneo, la artista construye un universo sonoro delicado y envolvente, donde la nostalgia, el desapego y la búsqueda de identidad se convierten en el eje de un recorrido tan personal como universal. Influenciada por propuestas como The Marías y Daniel Caesar, logra desarrollar una estética propia marcada por la sensibilidad y la sutileza.
A lo largo de siete canciones, el álbum explora la dificultad de dejar atrás personas, lugares o versiones de nosotros mismos que ya cumplieron su ciclo. Guitarras etéreas, sintetizadores atmosféricos y arreglos de gran cuidado acompañan letras introspectivas que invitan a la reflexión. Como uno de los momentos más representativos del disco, «Siempre yo me vuelvo a ir» resume con honestidad esa tendencia a escapar antes de enfrentar aquello que realmente nos atraviesa. El resultado es una obra íntima, elegante y emocionalmente resonante que confirma a Violeta como una voz prometedora dentro de la nueva escena independiente.
Mzzltvv «White flame»
Ex neoyorquina que transforma su historia en canciones. Su inspiración nace de las experiencias que vive, las emociones que la atraviesan, sus raíces culturales y la fe que la acompaña y la sostiene en cada etapa del camino. Es una canción para caminar sin dudas, por una ciudad repleta de transeúntes, caos, tránsito y la intimidad de unos auriculares y una escucha íntima, individual, riéndonos en la cara de quien en lo cotidiano se pierde mientras quien lleva en sus oídos esta canción cambia la frecuencia por al menos 3 minutos.
Monde Ray «What if»
Detrás de Monde Ray se encuentra Manon Guiol, artista francesa que encontró en la música un lenguaje propio desde la infancia. Formada inicialmente en el piano clásico y la teoría musical, fue desarrollando con el tiempo una relación cada vez más cercana con la composición y la producción electrónica. En gran medida autodidacta, construyó una visión artística intuitiva y personal, alejada de los caminos académicos tradicionales.
Antes de dar vida a Monde Ray, Guiol exploró territorios electrónicos más oscuros bajo el nombre de Manone y posteriormente integró la banda de dream pop y synth pop Tender Tones como compositora, tecladista y cantante. Con el grupo se presentó en diversos escenarios de París, consolidando una experiencia que terminaría moldeando su identidad artística.
En 2023 dejó París para instalarse en el sur de Francia, buscando nuevos paisajes, mayor luminosidad y una sensación de renovación. Esa transformación personal se convirtió en el punto de partida de un proyecto más introspectivo, cinematográfico y emocional, donde convergen el synth pop, el darkwave y el EBM con una estética inspirada en los sonidos de los años 80.
«Attraction«, su álbum debut, representa la consolidación de esta identidad singular: una propuesta elegante, hipnótica y personal que invita a perderse en un mundo donde la nostalgia, la oscuridad y la ensoñación conviven en perfecto equilibrio.
